Всем поклонницам восточного танца, с этой записи я начинаю выкладывать видео уроки по восточным танцам. Начнём с базовых движений арабского танца живота. Ниже представлены 4 видео урока для начинающих. Все уроки на английском языке, но думаю движения и так понятны.

Арабский танец живота, базовые движения часть 1

Арабский танец живота, базовые движения часть 2

Арабский танец живота, базовые движения часть 3

Арабский танец живота, базовые движения часть 4

Этот вид блюда относится к категории закуски. Для его приготовления необходимы следующие продукты:

яйцо - 4 шт
горсть луковой шелухи
лимон - 1/2 плода
соль, перец - по вкусу

Способ приготовления:

Яйца варить вместе с шелухой не менее 2 часов. Белок у готовых яиц окрасится
в коричневый цвет. Затем яйца очистить, разделить пополам и каждую
половинку украсить ломтиком лимона, посыпав предварительно солью и
перцем.

Этот вид блюда относится к категории закуски. Для его приготовления необходимы следующие продукты:

маргарин - (200г)
йогурт - 0,5 стакана
растительное масло - 0,5 стакана
порошок для печенья - 1 пакет
панировочные сухари
мука

Начинка:

3 картошки
лук
растительное масло - 3 столовых ложки
соль
перец

Способ приготовления:

Маргарин, йогурт и растительное масло хорошо смешать, потом добавить
пекарский порошок и муку. Вымешать тесто. Картошку отварить и с луком
натереть на терке, добавить масло, соль, перец и смешать. Раскатать скалкой
тесто, выдавить стаканом кружочки, на середину положить начинку из
картошки, закрыть и придать круглую форму. Обвалять в панировочных сухарях.
Разогреть духовку. “Почя” выложить на смазанный маслом противень и
выпекать при температуре 150 градусов до готовности.

Этот вид блюда относится к категории закуски. Для его приготовления необходимы следующие продукты:

апельсины - 180 г
лук репчатый - 40 г
маслины - 40 г
масло растительное - 15 г
перец молотый черный
соль

Способ приготовления:

Из маслин удалить косточки.

Апельсины и лук очистить, нарезать тонкими пластинками.

Смешать с маслинами.

Полить маслом.

Заправить солью и перцем.

Этот вид блюда относится к категории закуски. Для его приготовления необходимы следующие продукты:

баклажаны - 200 г
масло оливковое - 30 г
морковь - 20 г
сельдерей - 20 г
помидоры - 50 г
лук репчатый - 30 г
чеснок - 4 г
зелень петрушки - 3 г
соль

Способ приготовления:

Баклажаны разрезать по длине пополам
отделить ножом мякоть от кожицы.

Пассеровать на сливочном масле мелко нарезанный лук.

Добавить мелко нарезанный чеснок, морковь и вареный сельдерей.

Вынутую из баклажан мякоть посолить и все хорошо перемешать.

Полученным овощным фаршем заполнить кожурки баклажан.

Разложить их на смазанной маслом сковороде или противне.

Каждую половинку баклажана закрыть ломтиком помидора.

Посыпать мелко нарезанной зеленью петрушки.

Запекать в жарочном шкафу 20 мин
подавать в холодном виде.

Этот вид блюда относится к категории закуски. Для его приготовления необходимы следующие продукты:

2 баклажана
1 зеленый острый перец
соль - 2 г
3 дольки чеснока
оливковое масло - 2 ст л
сироп из кислого граната (заменяется уксусом или лимонным соком) - 1 ст л
2 веточки петрушки
1/4 кислого граната

Способ приготовления:
   
Испечь баклажаны на гриле (переворачивать, когда кожа сморщится) и снять
кожу.

Истолочь в ступке чеснок с солью до образования пюре, потом постепенно
вливать оливковое масло, перемешивая.
Добавить сироп и перемешать.

Истолочь баклажаны в салатнице, добавить чесночный соус, перемешать и
добавить порезанный на очень мелкие кусочки перец.
Выложить в блюдо или в специальные тарелочки, украсить петрушкой и
зернами граната.

АЛЕГРИАС

Этот стиль берет свое начало из Кадиса. Его название происходит от испанского слова “alegría” - радость. Действительно, песни алегриас - одни из самых жизнерадостных во фламенко. Это пение унаследовало от земли Кадиса все ее солнечное тепло и свет. Песни алегриас обычно не длинные и состоят из трех частей: “преамбуло” (preámbulo - вступление), “меольо” (meollo - сама копла, куплет) и “эпилого” (epíogo - заключение). Вступление обычно бывает задорным и сложным для исполнения; “меольо” это середина, сущность всей песни, а заключение - это мягкий по звучанию припев, где кантаор может показать всю красоту и оттенки своего голоса.
Ритмически алегриас близки к солеа, но они более легкие и воздушные. Эти песни считаются одними из самых красивых среди всех стилей фламенко. Изначально они были созданы для аккомпанемента танцу и поэтому полны живости, динамизма и грации.

БАМБАС

Этот стиль появился в одной деревушке в провинции Севилья, которая называется Асналькaсар (Aznalcázar). Согласно народной традиции, там существует обычай во время летних и весенних праздников устраивать состязания в силе между жителями деревни. Каждый район или улицы состязаются в том, кто поднимет самый высокий и тяжелый столб. В состязании женщины принимают участие наравне с мужчинами. Самый огромный столб, который удается поднять, называется “бамба” (bamba). Один участник команды поднимает его, а остальные поддерживают столб за привязанные к нему веревки. Все это сопровождается куплетами, которые называются “бамбас”.

БУЛЕРИАС

Булерию можно назвать мозаикой фламенко. Этот стиль предоставляет исполнителю наибольшую свободу для творчества. Кантаор булериас это импровизатор, способный сплести воедино самые разные мелодии - в булериас отзвук всех песен Андалузии. Здесь можно услышать и алегриас, и фандангильо, и даже солеарес. Это песни живые, веселые и полные бурных эмоций, но в них проскальзывают и жалобные нотки, свойственные солеарес. Считается, что колыбель булериас - Средиземноморское побережье, и их звучание напоминает нам о шуме моря - то безмятежном и спокойном, то о бурном и опасном, способном поглотить корабль с экипажем. В булериас умещаются все эмоции, которые способна испытывать человеческая душа. . Эта музыка звучит каждый раз по-новому, но при этом всегда узнаваема. Она очень личностная и основанная на импровизации больше, чем другие стили, несмотря на ее сложность для исполнения и довольно жесткие ритмические рамки. Другие особенности булерии - это яркая индивидуальность гитары при исполнении песен, булерию называют основой гитарной игры фламенко.
Булерия - это живая грация цыганского юга Андалузии. Сначала единственным предназначением этого пения был аккомпанемент танцу, и оно подчинялось строгому ритму. Позднее кантаоры усложнили булерию и придали ей большую ритмическую гибкость.
Булерия относится к самым молодым стилям. Она впервые появилась на сценах театров и кафе кантанте в конце XIX века и исполнялась в качестве “десерта” после того напряжения, которое создавалась во время фиесты исполнением драматичных песен канте хондо. В 20-х годах XX века она уже сформировалась и признавалась наравне с остальными стилями. Сейчас это один из самых любимых и часто исполняемых стилей фламенко.

КАМПАНИЛЬЕРОС

Происхождение этих песен связывается с сельскими монахами. Существовал обычай, когда в конце каждой недели или месяца один из монахов должен был разбудить своих соседей, чтобы они были готовы к утренней молитве. Чтобы привлечь к себе внимание, он звонил в колокольчик (по-испански campanilla). Иногда его сопровождали еще несколько человек, которые ударяя по пустому кувшину и металлическому треугольнику. Таково происхождение стиля кампанилльерос, а его становление в качестве одного из направлений фламенко приписывается кантаору Мануэлю Торресу, исполнительский талант которого превратил кампанильерос в серьезный музыкальный жанр. Он исполнял эти песни в сопровождении таких знаменитых токаоров как Ниньо Рикардо и Куррито де ла Херома.

КАНЬЯ

Канья относится к древнейшим стилям канте хондо, и поэтому практически нет песен, которые бы что-нибудь у нее не позаимствовали. Она повлияла не только на малые стили фламенко, но и на те, которые сами считаются фундаментальными, например, от каньи берет свое начало поло. Считается, что название стиля происходит от арабского слова “gamia” (”песня”), которое позднее трансформировалось в “канья”. В настоящее время это пение не очень распространено, период его расцвета приходится на первую половину XIX века. Канья относится к тем песням, которые называют “чистым золотом” канте. Это сложнейший для исполнения стиль, чтобы исполнить канью, сохранив все ее особенности, необходимо не только в совершенстве знать этот стиль, но и обладать выдающимися вокальными данными. Роль гитары в канье второстепенная - она находится на втором плане и лишь подчеркивает голос, вся сила этих песен заключается в пении. Точно неизвестно, цыганского канья происхождения или нет, но одно можно сказать точно - цыганские кантаоры как нельзя лучше раскрывают всю глубину и магию этих песен. Одними из самых великих мастеров каньи были Эль Фильо, Курро Дульсе, Сильверио Франконетти и Антонио Чакона.

КАНТЕС ДЕ ТРИЛЬЯ (ТРИЛЬЕРАС)

Это пение относится к части репертуара фламенко, связанного по своему происхождению с работой (”trilla” переводится как “мольтьба”). Этот стиль сформировался в результате воздействия фламенко на традиционные песни. Когда жатва закончена, в конце рабочего дня, приходит время кантес де трилья, простого и светлого пения, которое опирается не на размеренный ритм гитары, а исполняется лишь под аккомпанемент молотилок и голосов крестьян, понукающих мулов. В песнях поется о весне, лете, красивых девушках, природе и обо всем том, что сопровождает работу в поле.

КАРСЕЛЕРАС

Название этого стиля происходит от испанского слова “сarcel” - “тюрьма”. В карселерас поется о страданиях и надеждах заключенных. Эти песни по происхождению цыганские, они степенные и медленные, в них рассказывается о заключенных, которые мучаются и испытывают отчаяние от того, что совершили преступление. Они раскаиваются и чувствуют, что совершили его в состоянии помрачения рассудка, из-за гнева или гордости, и ни за что не решаться на такой поступок всю свою оставшуюся жизнь. Известно, что коплы карселерас часто сочинялись с целью передать какие-нибудь известия родственникам, находившимся на свободе.

КАРТАХЕНЕРА

Картахенера возникла на основе таранты под влияние малагеньи, и по глубине и экспрессии это пение находится между этими двумя стилями. Как и таранта, картахенера относится к “канте гранде” - “большому пению”, к древнейшим истокам канте хондо. Как и таранту, происхождение картахенеры связывают с шахтерами, эмигрировавшими из Андалузии в Картахену для работы в угольных шахтах как раз в то время, когда начало распространяться канте хондо. Картахенера - это медленное грустное пение, полное тяжелых мыслей. Но все же, по своему настрою оно немного менее горестное, чем тарантас. В ее основе - все та же печаль и жалоба, но есть место и более светлым и мягким оттенкам, надежде.

ДЕБЛА

Сегодня это пение почти не исполняется, но в свое время дебла была одним из ярчайших представителей канте хондо. Уже к 1880 году дебла была практически предана забвению. Как и канью, ее относят к одному из самых сложных для исполнения стилей, возможно, по этой причине она сейчас находится на грани исчезновения. Характер этих песен меланхолический, и для их исполнения нужен действительно выдающийся голос. Название этого пения происходит из цыганского языка и в переводе означает “богиня”. О дебле говорят как о фундаменте, на который опирается канте хондо, она составляет одну ветвь канте хондо вместе с мартинете и карселерас.

ФАНДАНГО

Говорят, что “андалузец не может ни ехать, ни идти, ни работать” без фанданго, излюбленной на юге мелодии. Колыбелью этого пения считаются Малага, Кордова и Лусена. Изначально фанданго являлось песней, аккомпанирующей танцу. Это танец для одной пары, и его хореографическое содержание - любовная пантомима. Оживленный и страстный, он и сейчас пользуется популярностью во многих провинциях Испании. Существуют разновидности фанданго, унаследовавшие название от тех городов, где они получили наибольшее распространение: малагенья (malagueña, от Malaga - Малага), ронденья (rondeña, от Ronda - Ронда), гранадина (granadina, от Granada - Гранада), мурсиана (murciana, от Murcia - Мурсия), аликантина (alicantina, - от Alicante - Аликанте), фанданго де Уэльва (fandango de Huelva, от Huelva - Уэльва)… Различают fandango rápido (быстрое) (например, фанданго де Уэльва), fandango moderado (умеренное) (например, вердиалес) и fandango lento (медленное) (фанданго де Альмерия).
Фанданго распространилось далеко за пределы Андалузии. Например, в Астуриас это один из наиболее популярных стилей, наравне с альборадас (alboradas) и алалaс (alalás). В Экстремадуре фанданго помимо гитары и кастаньет сопровождается аккордеоном и бубном. Также эти песни можно встретить в Мурсии или на Майорке (вместе с хотой и болеро) и в Португалии, где они разделяют славу с такими стилями как вира (vira), малао (malhao) и камина верде (caminha verde). Поэзия фанданго отличается красотой и возвышенностью, диапазон тем самый широкий: это и мир, и война, и любовь, и ненависть, и жизнь, и смерть, но преобладает все же любовная лирика.

ФАНДАНГИЛЬО

Фандангильос это разновидность фанданго, отличающаяся более свободным ритмом и менее возвышенным характером поэзии. Родина фандангильос - Уэльва, откуда это пение распространилось по многим регионам Андалузии. Но основными зонами его распространения считаются земли, граничащие с Португалией, где располагались шахты добычи угля, золота и меди. Почти в каждой деревне этого района имеется свое фандангильо, возникшее в полумраке и сырости шахт, но, тем не менее, в этих песнях нет ни угнетенности, ни тоски, а напротив, поется о противостоянии невзгодам жизни.

ФАРРУКА

Название стиля происходит от слова “farruco”. Так андалузцы называли цыган из Галисии и Астуриас, обосновавшихся на юге Испании. Попав в Андалузию, фаррука смешалась с местными напевами и приобрела черты фламенко. Изначально она пелась и танцевалась в основном в портовых местечках близ Кадиса. Первым кантаором фарруки считается Мануэль Лобато (Эль Лоли), который сделал этот стиль знаменитым не только в Андалузии, но и в Каталонии и Мадриде.
В настоящее время фаррука часто поется для аккомпанемента танцу, занимая почетное место в репертуаре как кантаоров, так и байлаоров.

ГРАНАДИНА (ГРАНАИНА)

Гранадина относится к группе фанданго и ее отличительная черта - арабский колорит музыки. Из всех стилей гранадина наиболее близка к мусульманскому пению. Мелодическая линия коплы гранадины - простая и ровная, унаследованная от фанданго, а наиболее сложной и красивой является заключительная часть песни.

ХАБЕРА

Хабера - это исконно андалузская песня с инструментальным вступлением, напоминающим малагенью, и коплой, близкой к фанданго, от которого она и берет свое начало. Хабера - один из самых древних стилей группы фанданго, но в настоящее время она почти не исполняется, а изначально это было сельское, крестьянское пение. Ее исчезновение - не следствие ее сложности, скорее, в этом вина популярности других песен, которые начали исполняться на таблао в то время, когда стоял выбор, какие песни будут пользоваться наибольшим престижем. Кантаором, вдохновившем других исполнителей петь хаберу, был Эль Мими, а главным пропагандистом этого стиля считается Эль Чато де Херес, сделавший хаберу популярной в Мадриде.

ЛИВИАНА

Ливиана - это дитя южной Андалузии. Она является родственницей тонa, берущей свое начало из кузнечных мастерских, но более нежная, так как в ней нет свойственного тона ритма ударов кузнечного молота по наковальне. Именно в ритме основное различие между этими стилями. Стихи для них могут быть общие. В отличие от тонa, ливиана - пение родившееся среди крестьян, работающих в поле, в часы отдыха от работы, когда андалузский крестьянин чувствовал потребность петь. Оно появилось без гитары, без аккомпанемента и впитало в себя все жаркое солнце испанских плоскогорий. Профессиональные кантаоры быстро приняли ее в свой репертуар и стали исполнять под аккомпанемент гитары. Ливиана - сложный для исполнения стиль, требующий от исполнителя великолепных способностей. Со временем она стала забываться и исполнялась все реже и реже. Но благодаря некоторым старым кантаорам ливиана все же сохранилась и существует в наши дни как стиль личностный и индивидуальный, но в то же время сохранивший весь колорит народной сельской музыки.

МАЛАГЕНЬЯ

Малагелья входит в категорию канте гранде - “большого пения” канте хондо. Малагенья берет свое начало от фанданго, но она имеет свой собственный облик и в целом не похожа ни на один другой стиль. Это канте было одним из самых любимых среди кантаоров XIX века. Коплы малагеньи чаще исполняются женщинами, по содержанию это пение страдающей души, жалобное, протяжное. Распространившись из Малаги до Леванта, это пение там и приобрело свой окончательный облик, а также дало начало таким стилям как тарантас, серранас и картахенерас. Изначально это было пение побережья, моряков и рыбаков, которые затем перенесли его в Португалию, где малагенья очень прижилась и полюбилась. В какой-то момент малагенья оставила пляжи и палубы кораблей и переселилась в глубь полуострова. Дойдя до Ронды она задержалась в этом городе и полюбилась его жителям. Своему варианту малагеньи они дали название в честь города - ронденья.

МАРТИНЕТЕ

Это пение относится к канте хондо и по своему происхождению, как и тона, связано с кузнечными мастерскими. Оно не подчинено строгому ритму и создается спонтанно. Из уст в уста, от сердца к сердцу, передавали кантаоры эти песни следующим поколениям, благодаря чему сегодня пение мартинете сохранилось в том же первозданном виде, что и исполнялось кузнецами за работой два века назад.

МИРАБРАС

Мирабрас не относится к канте хондо - в нем нет ни мотивов сегидильи, ни солеа или мартинете, этот стиль принадлежит к канте чико - “малому пению”. Считается что пение мирабрас возникло во второй половине XIX века благодаря солдатам, контрабандистам и разбойникам, ходившим под дорогам Андалузии в то время, и периодом расцвета этого стиля можно назвать последние двадцать лет XIX века. В мирабрас заложено движение, динамика, а также присутствует авантюрный дух людей, готовых поставить на карту свою жизнь, а если что, и жизнь соседа. По настрою это явно не песни пастухов и крестьян.

НАНАС

Нaнас - это песни матери, качающей колыбель своего ребенка. По происхождению они андалузские, но их относят к фламенко, несмотря на то, что многие черты, свойственные нанас, такие как простая структура музыкальных фраз, отсутствие мелизмов и украшений, не характерны для фламенко. В нанас слышно лишь эхо фламенко, но это эхо придает им удивительный колорит и красоту.
Свои нанас есть и в Малаге, и в Севилье, и в Уэльве, и в Кадисе. Но откуда бы родом они ни были, эти напевы всегда тихие, иногда почти переходящие в шепот, их плавный ритм напоминает качающуюся колыбель. Коплы сочиняются на ходу и в них говорится о мире детства. В них нет ни излишних украшений, ни мелизмов. Эти песни нежные, простосердечные, красивые, с оттенком грусти и меланхолии.
Обычно нанас исполняются без аккомпанемента, но некоторые гитаристы, например, Перико эль дель Лунар, импровизировали эти песни на гитаре.

ПЕТЕНЕРАС

Это пение изобрела кантаора по имени Ла Петенера (La Petenera), чье имя оно и унаследовало. Известно, что она родилась в деревне провинции Кадис, которая называется Петенера де ла Ривера (Petenera de la Rivera). Переплетая свои собственные мелодии с популярными в Кадисе напевами, эта кантаора положила начало новому оригинальному стилю, в песнях которого воспеваются чувства, и который вскоре приобрел такую славу и стал пользоваться таким успехом, что по праву занял достойное место среди стилей “большого пения” канте хондо. В петенере есть немало общего с солеа - те же интонации, та же плавность и торжественность.
Среди цыган существовало поверье, что петенера приносит несчастье, и многие из них не только отказывались ее петь, но и не желали упоминать ее в разговорах. Тем не менее, многие из наиболее выдающихся исполнителей петенеры - по происхождению цыгане, например, Пастора Павон, сделавшая петенеру одним из своих основных стилей пения. Возможно, это поверье возникло из-за коплы, в которой говорилось о смерти самой Петенеры.
Большая часть песен этого стиля продолжает исполняться и сегодня. В основном это пение грустное и сентиментальное. Во второй половине XX века кантаоров, владеющих этим стилем, было не так много. Песни петенеры сложны для исполнения, мелодичные, величественные и неторопливые. Существуют два типа петенеры - “древняя петенера” (petenera antigua) и “современная петенера” (petenera moderna), которые также называются “короткая” (corta) и “длинная” (larga). Считается, что “петенера модерна” сохранилась и процветает в наши дни благодаря Пасторе Павон, давшей новую жизненную силу этому стилю.

ПОЛО

Поло является легендарным и древнейшим стилем, составляющим наравне с каньей и тонa первооснову канте хондо. Копла поло практически идентична копле каньи. Первое упоминание о поло относится к 1773 году, но считается, что этот стиль исполнялся на цыганских праздниках задолго до этого времени. Корни поло - в средневековых романсах, на основе которых сформировалась тонa. Это эмоциональное пение исполнялось мужчинами. Кантаора Эль Планета называли королем поло, такие исполнители как Курро Дульсе, Эль Фильо, Эль Нитри, Антонио Чакон были мастерами этого стиля. Поло считается мужским и величественным пением, для исполнения которого необходимы блестящие способности и чувство ритма. Оно сложнее, чем канья, хотя в этих двух стилях много общего. Эти кантаоры исполняли так называемое “поло натураль” (polo natural), не превнося в него ничего нового. Кантаором, давшим поло новую структуру и окраску, был Тоблао, который, следуя своему вкусу, удлиннил куплеты, придал стилю еще большую глубину и эмоциональность и сделал его по своей структуре совсем не похожим на канью. К сожалению, сейчас “поло де Тоблао” забыто, и если встречаются кантаоры, знающие этот стиль, то они исполняют только “поло натураль”.
Поло - стиль, принадлежащий ушедшей эпохе, и пик его развития и популярности пришелся на период между серединой XVIII и концом XIX века. В настоящее время поло находится в упадке и забвении. Кантаоров, исполняющих и знающих поло, можно пересчитать по пальцам.

РОНДЕНЬЯ

Этот стиль относится к группе фанданго. Точнее можно сказать, что это малагенья, поющаяся в Ронде. Оставив побережье и обосновавшись на плоскогорье в глубине материка, малагенья трансформировалась, дав начало новому стилю. Среди испанских кавалеров существовал обычай петь серенады под окнами своей возлюбленной. Андалузцы, благодаря своему пылкому характеру, не стеснялись выражать свои эмоции, и тень молодого человека с гитарой, поющего под балконом своей любимой летними ночами не была редким зрелищем. В Андалузии этот обычай положил начало новому стилю фламенко, получившему название ронденья. Ронденья, называемая дочерью фанданго, не обладает драматической глубиной, присущей стилям “большого пения”. В ней нет и задора песен, созданных для аккомпанемента танцу. Это пение приобрело новый оттенок, прежде всего лирический, - это песнь влюбленного сердца. Кроме того в ронденье отражено мировоззрение жителей сьерры, которые видят море, а также все ведущие к нему дороги, издалека и с высоты. Ронденья - песня человека, ясно видящего цель своего пути.

САЭТА

Саэта - это разговор с божеством через песню. Во всяком случае, таковы саэты, поющиеся во время религиозных праздников. Тем не менее, не исключено, что по происхождению это пение языческое, цыганское. В напевах саэты - жалоба и тихий ропот на судьбу, обращение к богу, чтобы он выслушал то, что больше никто не хочет слушать. В книге, опубликованной в Севилье в 1691 году уже упоминается о религиозных саэтах. О них говорится как о голосах терзаний, рождающихся среди людей из-за грехов, которые они совершают. В XVIII веке саэты пелись монахами, которые ходили по дорогам и побуждали верующих раскаиваться в своих грехах. Мелодии этих саэт были строгими, монотонными, полными пауз. Древние формы саэты развивались постепенно и достигли своего расцвета к началу XX века. Современная саэта, являющаяся стилем фламенко, возникла не в один миг и не была плодом вдохновения одного кантаора, она является результатом долгой эволюции. Сегодня саэта известна почти повсеместно в Испании, насчитывает множество разновидностей и местных мотивов и бережется как драгоценный камень канте хондо, представляя собой наиболее религиозный его вариант. Современные саэты исполняются на основе стилей сигириья и мартинете - кантаор объединяет слова копл саэты с музыкой этих стилей. Такие саэты называются “por siguiriya” или “por martinete”.

СЕРРАНА

Как и ливиана, серрана родилась среди крестьян, работающих в поле. После того, как профессиональные кантаоры приняли ее в свой репертуар, она перебралась с полей в города и на сцены кафе кантатне, стала исполняться под гитару, но сохранила весь колорит сельских песен и до сих пор считается самым красивым стилем среди всех, сформировавшихся на солнечных полях Андалузии. Наибольший расцвет этого пения приходится на XIX век. Песни серраны изящные и мелодичные, сложные для исполнения и требующие от кантаора широкого диапазона голоса. Если серрана исполняется умелым кантаором - это действительно один из самых красивых стилей канте фламенко, несмотря на то, что по глубине и экспрессии серрана уступает, например, сигирийе и солеа. Наиболее значительным кантаором серраны за всю историю фламенко считается Сильверио Франконетти.
Темы песен серраны разнообразны и отражают мировоззрение кантаора и эпоху, в которую они пелись. Про серрану говорят, что это канья, освободившаяся от бремени каждодневного быта и живущая на воле в сьерре.

СЕВИЛЬЯНАС

Севильяна - один из наиболее прославленных стилей фламенко. Севильяна поется и танцуется и происходит от древнейшего стиля сигирийи, корни которого уходят в XVI век. Эта музыка сформировалась и приобрела свой окончательный облик в таких районах Севильи как Триана, Ла Макарена, Сан Бернардо, Ла Ферия и Ла Аламеда. Именно здесь возникла севильяна, известная более своим танцем, нежели песней, танцем, полным грации и гибкости, экспрессии и в то же время легкости движений.

СИГИРИЙАС

Название этого стиля имеет несколько вариантов в испанском языке: siguiriyas, siguiriyas gitanas, seguiriyas, seguirillas. Это канте является одним из самых значительных в канте хондо, наиболее сентиментальным, грустным и глубоким.
Период с 1800 по 1820 гг. считается временем открытия и становления этого пения, которое предстает в сразу в трех городах: Хересе, Кадисе и Севилье.
Сигирийя - это пение, с одной стороны опирающееся на личную интерпретацию каждого отдельного кантаора, но в то же время всегда сохраняющее свою музыкальную форму и структуру, благодаря чему в наши дни оно остается таким же, каким было два века назад. Это музыка с очень свободной ритмической структурой и сложными и красивыми гитарными партиями.
В сигирийи - тайна цыганской души. В ней нет места театру и артистизму. Это пение о горе без утешения, о потере без возврата. Именно цыганским кантаорам удается раскрыть всю полноту и глубину этого пения. Эль Нитри, Мануэль Молина, Мануэль Торрес, Сильверио Франконетти, Антонио Чакон - им обязано разнообразием своих стилей это пение - одно из самых великих и глубоких в канте хондо.

СОЛЕА

Название этого стиля происходит от слова “soledad” - одиночество. Солеa называют матерью и королевой всех песен. О ней часто говорят во множественном числе - солеарес, так как не только в каждом регионе, но и у многих кантаоров есть свой собственный мотив солеа. Эти строгие, но прекрасные песни без сомнения относятся к самым древним стилям канте хондо.
Первые солеа, появившиеся в начале XIX века, были предназначены для аккомпанемента танцам. Песня состояла всего из трех копл и исполнялась в живом динамичном темпе. В настоящее время эта “солеа де байле” (soleá de baile) известна под названием “солеарийа” (soleariya). Позднее мастера этого стиля стали украшать песни, удлинять их и исполнять в более медленном темпе, придавая солеа больше грустных оттенков и экспрессии, и возникла “солеа гранде” (soleá grande), которая из Трианы, своей колыбели, распространилась до Лос Пуэртос, Кадиса и Хереса.
Гитара играет важнейшую роль при исполнении солеа, выходит на первый план как нигде в других стилях. Фальсетас, исполненные искусными токаорами бывают настолько сложными, что многие музыканты отказываются даже разобраться в них. Солеа - удивительно гибкий стиль, в котором способно уместиться и все величие каньи или поло и легкомысленная радость песен Кадиса. Мир солеа, тематика ее песен - жизненные иллюзии, любовь и смерть. Стихи многих солеа - настоящие поэмы, полные красоты и поэтического смысла.

ТАНГОС

Как и булериас - в настоящее время тангос является одним из самых любимых и исполняемых стилей. Родина тангос - Кадис, и эти песни были созданы для аккомпанемента танцу. Веселые, оптимистичные и непринужденные, они идеально подходят для того, чтобы под них танцевать. Танец тангос экспрессивный и чувственный, его движения и эмоциональный настрой напоминают о древних ритуальных танцах.
Тангос - это один из самых древних стилей фламенко. В первой четверти XIX века он уже сформировался и исполнялся во время праздников в Кадисе. Начиная с этого времени этот стиль приобретает огромную популярность, как в качестве танца, так и песни, и становится излюбленным стилем среди посетителей кафе кантанте. Тангос производит там настоящий фурор, особенно в конце XIX - начале XX века. То, что Мануэля Торре, признанного исполнителя сигирийи, в Андалузии называли королем танго, говорит о том, что в то время стиль тангос считался более значимым.

ТАРАНТАС

Также как и картахенера, стиль тарантас относится к песням Леванта и его изобретение приписывается шахтерам. Таранта стоит во главе группы песен Леванта, для которых характерна удивительная экспрессивность и выразительность. Эти песни можно назвать не просто печальными, а скорее, горестными, трагичными. Таранта сформировалась на основе местного фанданго. Рожденное в глубине шахт, это пение длинное, тяжелое, суровое, несущее отпечаток той тяжелой работы, которой занимались ее исполнители. Грусть, тоска и угнетающие мысли - основной мотив этих песен. Копла тарантас - это всегда жалоба, в ней поется о несчастьях и смерти. Другим и не могло быть пение людей, жизнь которых проходила во мраке и сырости шахт, и чья душа изнывала от одиночества и безнадежности.
Тарантас поются в довольно свободном темпе, и роль гитары в них второстепенная, она служит лишь для поддержания ритма. В ней нет ни пассажей ни расгеадо, она лишь подчеркивает основные ноты мотива.

ТЬЕНТОС

“Tiento” в дословном переводе с испанского означает “нащупывание”, “пробование на ощупь”. Так называются пробные ноты и аккорды, которые берет гитарист прежде чем начать играть, его первые прикосновения к гитаре, или же несколько нот, спетых кантаором перед песней, чтобы подготовить свой голос. Это своеобразный набросок перед песней. В конце XVIII века этот набросок положил начало танцу, который вскоре приобрел большую популярность. К танцу был создан аккомпанемент и сочинены песни, которые стали называться “тьентос”. Этот стиль не относится к канте хондо, он характерен для нижней Андалузии, Кадиса и Лос Пуэртос и по происхождению считается цыганским. Первым кантаором, ставшим исполнять тьентос, считается цыган Эль Марруко. Позднее одним из самых великих мастеров тьентос был Мануэль Торрес, благодаря которому этот стиль достиг пика своей популярности.

ТОНА

Тонa - это цыганское пение, сформировавшееся в кузнечных мастерских. Точнее, тона происходит от средневековых андалузский романсов, позднее перешедших в традицию цыган, которые и придали ей окончательный облик. Первое упоминание о тона относится к 1770-му году, но характеристики тонa и глубина ее выражения подсказывают, что ее происхождение гораздо более древнее. Эти средневековые романсы стали приобретать черты канте хондо уже в XVII веке, а, возможно, и раньше. К середине XVIII века тона уже была распространенным стилем и достигла большой известности. Несомненно, тонa - это один из его древнейших стилей и важнейшее звено в формировании музыки фламенко. Для нетренированного слуха разница между тонa и цыганской сигирийей практически незаметна, но, в отличие от сигирийи, тона не поется под гитару. Ее сопровождает лишь звон кузнечного молота, ударяющего по раскаленному железу, или звон металлического треугольника, имитирующего звучание наковальни, использующийся в студиях при записи этих песен. Тонa не подчиняется строгому ритму, кантаор лишь представляет атмосферу кузницы и сам создает для себя подходящий для пения ритм. Изначально это была песня для аккомпанемента байлаорам, но вскоре она оставили их и перебралась в кузницу, где искусные умельцы выковали из нее одну из самых красивых драгоценностей канте хондо.
Основные темы песен тонa - любовь, религия, жизнь и смерть. Когда-то было известно более тридцати вариантов тонa, каждый из которых имел свое особое значение. Можно назвать тонa-ливиана (toná-liviana), тонa де лос пахаритос (toná de los pajaritos), тонa дель серрохо (toná del cerrojo), тонa кокинера (toná coquinera), тонa тристе (toná triste)… Hо в последние годы прошлого века тонa стала терять значимость, и в настоящее время различают лишь несколько ее видов, такие как тонa гранде (toná grande), тонa дель Кристо (toná del Cristo) и ливиана (liviana). Тонa, исполняемая сегодня, поется в свободном ритме, ее мелодия довольно четкая, без изобилия мелизмов.
Если булерия является наиболее молодым стилем фламенко, то тонa принадлежит к старейшим из них. Они оба являются основополагающими, но при этом представляют из себя наиболее далекие друг от друга направления фламенко. Тонa исполняется в свободном темпе, булерия подчинена строгому ритму. Тонa - это строгое пение без прикрас, в булерии - все богатство красок фламенко. Можно сказать, что тонa является родоначальницей фламенко, булерия - его кульминацией.

Источник: flamenco.ru

Истоки

Фламенко возникло в Андалузии под влиянием культур народов, в течение веков сосуществовавших на одной территории - арабской, еврейской, христианской и цыганской. Отголоски африканской культуры также достигли юга Иберийского полуострова, смешав негритянские ритмы с андалузскими.

Для большинства “не испанцев” классический образ Испании ассоциируется именно с Андалузией. Сомбреро с широкими полями, пестрые платья с воланами, яркий цветок в волосах и страстные танцы. Но послушав, о чем поется во фламенко, мы увидим, что по своей сути это музыка мрачная и драматичная, и фольклорный образ андалузской танцовщицы - лишь его внешняя, праздничная сторона. Земля, на которой возникло фламенко, далека от жизнерадостной Андалузии, запечатленной на открытках из сувенирных магазинов.

В андалузской песне ностальгия сливается с лирическим протестом против несправедливости и угнетения. Арабы были изгнаны из Испании в 1492 году; евреи, которых в V веке насчитывалось в Испании около 100 тысяч, были вынуждены принять христианскую веру чтобы не подвергаться преследованиям; цыгане, вечные кочевники, подвергавшиеся гонениям, вместе со своими нехитрыми пожитками переносили с собой традиции пения и танца. Каждый из этих народов в определенный момент истории утратил свою империю и был вынужден приспосабливаться к новым условиям жизни, принять чужую веру, забыть любимые традиции, слиться с другой культурой. Их музыка стала скрытым протестом против несправедливости, жалобой на судьбу, в их песнях говорилось о мрачной жизненной реальности. Фламенко - это больше чем музыка. Это целое мировоззрение, отношение к жизни. Не обязательно быть артистом фламенко, чтобы принадлежать к этому миру. Фламенко - это прежде всего все то, что окрашено сильными эмоциями и душевными переживаниями.

Становление (1780-1850)

Первое документальное упоминание о фламенко относится к 1780 году, к Андалузии. К тому моменту уже сформировались его мелодическая структура и стилистика и это время принято считать началом его существования.

Основными категориями населения Андалузии того времени были знать, духовенство, буржуа, ремесленники, рабочие, цыгане, а также слой, стоящий по своему благосостоянию на низшей социальной ступени, состоявший в основном из нищих и бродяг. Деревенские жители активно перебирались в город в основном по причине бедственного состояния деревень, задавленных богатой знатью и ввергнутых в нищету. В этой атмосфере фламенко набирало силу и начинало приобретать популярность, но вплоть до последней трети XIX века не было общенародным достоянием и не пользовалось известностью за пределами узкого круга любителей.

Обиталищем фламенко был дом. В традиционном испанском жилье все квартиры выстраивались вокруг общего внутреннего дворика (patio), который являлся своеобразным центром всего дома. Такая планировка подразумевала довольно тесное общение между соседями, которые часто являлись членами одной большой семьи или клана. Внутри дома патио являлся местом, где справлялись праздники и передавались секреты пения. Все это происходило в ограниченном кругу родственников, поэтому многие самые значительные имена во фламенко - это семейные династии, где из поколения в поколение передавались секреты мастерства.

Музыка воспринималась как диалог, общение, этим и объясняется ее импровизационный характер. Диалог между двумя кантаорами, кантаором и гитаристом, песней и танцем.

Постепенно жизнь, проходящая в патио все больше и больше переносилась на улицу, например, во время празднования свадеб, крещения и других событий. В некоторых цыганских поселениях эти “фиесты фламенко” приобрели свой собственный облик. Они проходили за городом, во временных поселениях цыган. Помимо членов одной семьи иногда они были открыты для более широкой публики, где кантаоры приобретали известность, демонстрируя свои способности и свою индивидуальную манеру исполнения.

Выйдя за пределы семейного круга, фламенко начинает проникать в другие сферы андалузского общества. В домашних фиестах начинают принимать участие знаменитые кантаоры и байлаоры.

В конце XVIII века фламенко уже звучало в тавернах и на постоялых дворах андалузских дорог.

В Севилье и Хересе праздники, посвященные покровителю города или района были поводом для проведения фиесты фламенко, не говоря уже о том, что в тавернах (colmaos) всегда можно было послушать кантаора или исполнить песню между двумя рюмками. Петь для людей было также естественно, как и разговаривать. Фламенко уже было распространено так сильно, что хозяева некоторых заведений стали налагать запреты на исполнение там песен, кое-где можно было встретить плакат “Петь и танцевать запрещается” (Prohibido cantar y bailar).

Подавляющее большинство кантаоров и байлаоров были цыганами. Таинственная, даже демоническая сила их исполнения этой музыки отражалась даже в афишах представлений: “Демон дремлет в душе цыгана и просыпается со звуками сарабанды” - такими словами начиналась афиша, рекламирующая представление фламенко в 1781 году.

1845 год

“Испания! Какое это убежище для людей, скучающих Европою! Здесь не только природа оригинальна - здесь и жизнь сложилась как-то иначе. Бог знает, как и чем живут люди на этой каменной почве, а кажется, что у них только и дела, что петь, танцевать, играть на гитаре, нисколько не заботясь о том, что в других странах называют жизнью”.

Но все же, несмотря на то, что спектакли для публики уже проводились, до 1842 года фламенко обитало в основном в цыганских домах и за закрытыми дверями постоялых дворов и таверн. Во время пирушек до рассвета оно начинало обретать славу, привлекая на свою сторону все больше почитателей, вместе с тем как росло и число кантаоров. Постепенно пение становилось для них способом заработать на жизнь, профессией, и они стремились к совершенству, побуждаемые все возрастающей конкуренцией. Хорошие песни ценились, больше платили тому, кто пел лучше других, и не скрывалось, что деньги становились немаловажной частью представления.

Эпоха кафе кантанте и золотой век фламенко (1842-1920)

Достоянием широкой публики фламенко становится с появлением специальных артистических кафе, cafe cantante, в которых выступали исполнители фламенко. Первое такое кафе было открыто в Севилье в 1842 году, за ним последовали другие, и к 70-м годам XIX века многочисленные “кафе кантанте” были созданы в городах Севилья, Кадис, Херес-де-ла-Фронтера, Пуэрто-де-Санта-Мария, Малага, Гранада, Картахена, Ла Уньон, а в след за ними и за пределами Андалузии - в Мадриде, Барселоне, Бильбао.

Фламенко широко распространилось по кафе кантанте, обретая все новых поклонников. Публика оценила ту страсть, с которой исполнялись песни, эта музыка нашла отклик в сердцах людей - и она поднялась на сцену, чтобы дать большему числу слушателей приобщиться к ней.

Сила и притяжение кафе кантанте была очень велика. Они процветали благодаря энтузиастам фламенко, чье число росло с каждым днем. Чем популярнее они становились, тем больше рос профессионализм исполнителей. Перед кантаорами теперь встала необходимость быть мастерами всех стилей и направлений. Они стремились к музыкальному совершенству. Кафе кантанте становились своего рода мастерскими, в котором оттачивались грани искусства фламенко и где оно поднималось на самые высшие ступеньки.

“Золотой век” фламенко связывают с именем кантаора Сильверио Франконетти (1829-1889), который стал центром эпохи, когда фламенко достигло своего апогея и когда были созданы его самые прекрасные образцы. Вокруг Сильверио сосредоточились самые выдающиеся кантаоры, и бесспорно, он был маэстро номер один среди этой плеяды талантов. La Josefa, Tío Martín, Vergara, Enrique el Gordo Viejo, Curro Dulce, El Loco Mateo, Paco de la Luz, Manuel Molina, El Nitri и множество других. Среди наиболее выдающихся гитаристов того времени были Maestro Patiño, Paco el Barbero и Paco Lucena, а среди танцоров - Antonio de Bilbao и Juan la Macarrona.

Голос Сильверио называли “медом Алькаррии”. Его репертуар был безграничен. Поло и канья, сигирийа и серрана, - он сделал своими все песни его эпохи. Кроме того, его кафе кантанте считалось лучшим и наиболее известным.

Благодаря Сильверио Франконетти наступил расцвет профессионального мастерства во фламенко. Он способствовал продвижению талантливых артистов, некоторые из них начинали свою карьеру в его кафе. Он не только не страшился конкуренции, но и был первым кантаором, намеренно создававшим ее вокруг себя - затем, чтобы подняться еще выше. В лице свих учеников он воспитывал себе конкурентов. Один из них, Антонио Чакон, явился настоящим открытием того времени. Он начинал свою карьеру, выступая в кафе Сильверио Франконетти, и немногим позже перед Сильверио уже стояла задача, как побудить публику больше ходить на свои выступления, а не в соседнее кафе, где выступал Антонио Чакон.

Конкуренция между певцами, танцорами и гитаристами способствовала развитию различных исполнительских стилей, жанров и форм внутри фламенко. В те годы термином “хондо” стали обозначать особенно эмоционально выразительные, драматичные, экспрессивные песни (сигирийя, несколько позже солеа, канья, поло, мартинете, карселера). Тогда же появились наименования “канте гранде” (cante grande - большое пение), для обозначения песен большой протяженностью и с мелодиями широкого диапазона, и “канте чико” (cante chico - малое пение), для обозначения песен, не обладающих такими качествами. Танец играл все большую роль в канте фламенко, и песни стали различаться по их функции: песня “аланте” (alante) предназначалась только для слушанья, а песня “атрас” (atrás) сопровождала танец.

Эпоха кафе кантанте считается золотым веком. Тогда блистали самые великие творцы фламенко. Все, что было создано тогда, является эталоном, все то, что было создано позже, уже не считается чистым.

Но несмотря на расцвет, которого достигло фламенко в середине XIX века, к концу столетия кафе кантанте начинают приходить в упадок. Постепенно стала складываться ситуация, при которой наибольших доход приносило то кафе, чьи клиенты сами диктовали репертуар. Стал действовать принцип “кто платит, тот и музыку заказывает”, и в конце концов репертуар кафе кантанте начал ограничиваться. Темы песен стали сводиться к наиболее популярным среди посетителей кафе - о любви и о смерти. Эстетическое содержание песен канте хондо стало снижаться, иногда опускаясь до откровенной пошлости. Канте хондо перестает быть голосом души, а начинает зависеть от интересов того, кто платит. Проходит время, когда кантаор был должен только себе и своему сердцу, теперь его репертуар подчиняется профессии. Тексты песен фламенко превращаются в сплошную мелодраму о несчастной любви. Кантаоры учатся надевать на себя маску и имитировать свою страсть и боль.

Кроме того, публике нравилось слушать определенных кантаоров - перестают звучать резкие и грубые голоса, уступая место более мелодичным и красивым. На смену кантаору, поющему больше для собственного удовольствия, чем для слушателей, приходит артист, работающий для публики и зависящий от ее пожеланий. Этот перелом происходит в последние годы XIX века. Кафе кантанте распространяются по всей Испании, дойдя до Мадрида и даже Бильбао. Контингент слушателей также постепенно изменяется. Фламенко становится популярным среди богатой молодежи, которая воспринимает только его эстетическую сторону, как жанр, не имеющий ни истории ни драмы. Распространившись в крупных городах, фламенко превращается в продукт потребления, в развлекательную индустрию.

Но все же, эти кафе больших городов не были ни лучшими, ни единственными. Еще сохранялись места, где продолжало звучать верное традиции канте хондо. Многие исполнители стремились сохранить чистоту стиля. Они не были профессионалами и сохраняли свое мастерство лишь для себя и узкого круга ценителей. Это были люди, которые считали, что канте хондо не может существовать в кафе или на таблао. Многие профессионалы стремились попасть на такие маленькие вечера, чтобы научиться секретам у этих скромных маэстро. Настоящая фиеста фламенко, где не присутствовала посторонняя публика, обычно проходила в каком-нибудь трактирчике, где участники собирались, пили вино, пели и танцевали. Даже если под рукой не оказывалось гитары, кантаоры пели под ритм, отбиваемый каблуками и хлопками в ладоши. В таких местах и в этой атмосфере сохранялось настоящее канте хондо, и его сила заключалась в способности кантаора самому наслаждаться своим пением и передавать всю его глубину слушателям, отдавая при этом частичку себя. Благодаря таким кантаорам канте хондо сохранилось в своей первозданной, “первобытной” форме до наших дней.

Упадок искусства фламенко и театральная эпоха (конец XIX - начало XX века)

Превращение фламенко в зрелищный спектакль не могло не отразиться на его художественном уровне и чистоте стиля. Репертуар исполнителей засорялся чужеродными формами, и в первые годы XX века кафе кантанте стали приходить в упадок. Фламенко искало новую форму выражения и нашло ее на сценах театров и импровизированных площадках на аренах для боя быков. В истории фламенко началась новая эпоха - самая критикуемая за все время его существования.

Несмотря на взлет, достигнутый фламенко в кафе кантанте и то внимание, которое ему уделяли путешественники XIX века, в целом фламенко все еще не признавалось как самостоятельный музыкальный и артистический жанр. Особенно это касалось наиболее традиционных и ортодоксальных стилей, то есть канте хондо. Хотя нельзя сказать, что фламенко не интересовало зарубежных композиторов и людей искусства. Например, в 1894 русский предприниматель Павловский заключил контракт с танцорами фламенко и представил их в театрах Москвы, в 1914 году на Лондонской сцене был поставлен спектакль El embrujo de Sevilla (”Колдовство Севильи”), который заложил основу современному балету фламенко.

В первые годы XX века фламенко обрело новую форму на театральных сценах в виде спектаклей, получивших название opera flamenca. Эти спектакли включали в себя пение, танцы и игру на гитаре. Они ставились по всей Испании профессиональными эмпрессарио и проходили в основном на сценах больших театров и аренах для боя быков.

Опера фламенка была не плохим и интересным новым жанром, но она негативно повлияла на чистоту стиля традиционной музыки, так как во время этих спектаклей исполнялись в основном песенки легкого характера, называемые de ida y vuelta и имеющие колорит фламенко, и фандангильос (упрощенный вариант фанданго). Использовались оркестровые обработки фламенко, из-за чего гитара перестала занимать традиционно ведущее положение, глубина выражения фламенко была потеряна, также как и его духовное и историческое содержание.

Фламенко предстало перед широкой и разнообразной публикой, и для того, чтобы угодить всем, оно должно было быть для нее адаптировано.
Но, все же, хоть театральная эпоха не была золотым веком фламенко, в этот период возникло не мало новых значительных имен, да и те, кто блистал в конце эпохи кафе кантанте продолжали выступать, приспособившись к новым условиям. Антонио Чакон, Пастора Павон (Niña de los Peines или Девушка с Гребнями), Manuel Torre, Pepe Marchena, La Paquera, Fosforito были одними из самых выдающихся исполнителей за всю историю фламенко. Cреди гитаристов блистали Ramón Montoya, Sabias, Niño Ricardo.

Кроме того, опера фламенко стала основой для возникновения нового жанра - балета фламенко, который развивался и достиг высот благодаря таким танцорам как La Argentinita, La Argentina, Pilar Lopez, Antonio, Rosario и др., и чьи традиции перенесли в настоящее время Antonio Gades, Mario Maya, Cristina Hoyos, Joaquin Cortés и др.

Возрождение искусства фламенко

Говорить о возрождении фламенко стали в 1922 году, когда по инициативе композитора Мануэля де Фальи и Федерико Гарсиа Лорки в Гранаде был организован фестиваль канте хондо (Concurso de Cante Jondo). Целью фестиваля было собрать подлинные напевы канте хондо, открыть новые таланты и возродить интерес к этому древнему искусству. Профессионалам не было разрешено участвовать, так как главным было отыскать образцы истинно народного искусства, показать публике подлинный дух фламенко, а не отточенное исполнение.

Испанцев призывали не путать величайшее сокровище канте хондо с трактирным пением и кутежом, задуматься о его судьбе и приложить все силы для его спасения, так как ни по чувству, ни по насыщенности, ни по тону в Испании нет ничего равного этим песням.

Романтическая Гранада явилась идеальным местом для проведения конкурса и после этого события фламенко действительно постепенно стало признаваться как народное искусство, а подобные фестивали начали проводиться и в других городах: Севилье, Кордове, Малаге, Хаэне, Альмерии, Мурсии, Мадриде.

В 50-е годы предыдущая эпоха стала подвергаться особенно резкой критике и по образу и подобию бывших кафе кантанте были созданы таблао - кафе или небольшие театры со сценой для представлений.

Источник: flamenco.ru

Как-то раз Боги собрали совет и с удивлением обнаружили, что им совершенно нечего делать - не было абсолютно ничего, чем бы они могли занять свой ум или внимание. Они поняли, что должны положить этому конец и, посовещавшись, решили пересказывать истории с помощью жестов и движений. Так возникло искусства танца и драмы.

Все это происходило примерно в то время, которое в Индийской мифологии называется Золотым веком или Крита Юга. Тогда ни о каком искусстве танца или драме никто и не слышал. Золотой век длился сотни тысяч лет, затем, согласно космическим законам, Крита Югу сменила Трэта Юга, и все в мире претерпело большие изменения – исказились идеалы, мораль, этика. Люди стали неудовлетворенны, у них появилось чувство скуки.

И тогда Индра, собрав совет Богов, предложил обратиться к Брахме с просьбой о создании такого искусства, которое было бы благоприятно для глаз и ушей, как самые прекрасные вещи в мире, для самых высших каст и в то же время доступное даже низшим, которым было запрещено изучать Веды.

Великий Брахма внял просьбе и вошел в состояние медитации. Он призвал в своем уме четыре священные Веды, олицетворение «вечной истины» Индуизма, и взял из каждой из них самую суть.

Из Сама Веды он взял музыку,

из Риг Веды - слова,

из Яджур Веды - закон жестов,

из Атхарва Веды - элемент сентиментальности (раса).

Все эти составляющие он объединил в гармоничную форму и добавил туда толику своего 6ожественного таланта.

Он создал совершенно новое искусство - искусство драмы или Натья Веду.

Теперь необходимо было перевести все это на практический уровень. Для этого Брахма призвал на помощь своего верного помощника святого Бхарату, у которого было 100 сыновей, и с их помощью начал работу. Но вскоре он понял, что, используя лишь мужчин в своем проекте, его работа будет слишком однообразна. Эту проблему Брахма тот час решил обхватив свои пальцы и материализовав 23 апсары (нимфы), которых он отдал Бхарате для успешного воплощения искусства Haтьи в жизнь.

В начале Бхарата мог применить лишь 3 Вритис (способы выражения):

- Бхарати - речь

- Арабхати - выражение мужественности

- Саттвати - выражение эмоций

Этого оказалось мало, и тогда по просьбе Бхараты Брaxмa создал 4-й способ:

- Каисики – грациозность

Мудрец Нарада и гандхарвы (небесные музыканты) предоставили музыкальное сопровождение, и 6ожественная группа Натья Бриндам была сформирована.

Время летело быстро, и все с нетерпением ожидали представления. Было решено, что «Индра Дваджамаха» (или фестиваль знамени Индры) будет наиболее подходящим случаем для этого. Когда все приготовления были завершены, великий день настал и искусство Натьи было впервые представлено перед аудиторией Девас (богов) и Данавас ( демонов).

Так случилось, что темой первой драмы «Асурапараджьям» был конфликт между Богами и Демонами, победителями которого оказались Боги. Видя это, Демоны пришли в ярость и стали плести магические заклинания, чтобы остановить представление и парализовать танцоров.

Но Брахма остановил их, объяснив, что это всего лишь развлечение, задачей которое было показать идею превосходства одного существа над другим в войне или мире. Группа людей лишь притворились теми, кого они хотели изобразить, и воспроизвели события прошлого. Однако целью этого представления является не только развлечение, но и просвещение.

Брахма сказал: «Знайте же, что то, что я создал отражает жизнь трех миров - богов, демонов и людей, и предназначается в равной мере для высших и низших. Искусство Натьи покажет вам ценности добра и пороки зла, оно впитало в себя суть всех искусств всех трех миров, и будет нескончаемым источником отдыха и просвещения, в котором каждый почерпнет то, что ищет.»

Так прошло первое представление Haтьи.

Затем Брахма предложил показать искусство Натьи великому Шиве.

Источник: kuchipudi.ru

Современный мир переполнен яркими ритмами. Особое место принадлежит восточным и индийским танцам. Курсы танца живота и курсы обучения индийским танцам – яркий пример воплощения в движениях настоящей культуры, загадки и чувственности. Зародившись в Древней Индии, как форма молитвы, на современном этапе индийский танец представляет собой разнообразие стилей: кучипУди, бхАратaнатьЯм, мохиниАттам, катхакАли, одИсси, манипУри, саттрИя. Каждый из стилей знаменует собой особый язык мимики и жестов, танцевальных па и эмоций.

Бхаратанатьям – особое воображение

Одним из интересных направлений школы индийских танцев является классический южно-индийский танец Бхаратанатьям. Безусловно, в основе каждого танца лежат эмоции и чувства танцоров, которые они выражают под музыку. Но Бхаратанатьям – это особое воображение, особые чувства и эмоции, которые имеют даже свое название.

Данный сегмент индийской школы танцев включает в себя 9 позиций или, так называемых, настроений. Только послушайте: любовь и отвращение, героизм и страх, радость и печаль, удивление, покой и гнев воедино переплетаются в классическом индийском танце. Задача же танцора – при помощи движений, мимики и жестов передать с тонкостью каждое настроение.

Не удивительно, что овладеть таким искусством достаточно сложно. Вы можете себе представить, что каждое движение истинным танцорам школы индийского танца приходится разучивать почти месяц, а некоторые па требуют работу над ними в течение полугода!

Танцующая йога

Работа над классическим индийским танцем требует постоянного напряжения всех мышц и частей тела: принимает участие в изображении каждого настроения и губы, и щеки, и брови, и кисти рук. Представьте, только движение кистей и рук имеет множество позиций: 28 разнообразных положений для одной руки и 24 позиции для двух рук. В таком процессе принимает участие вся энергетика тела и души.

Секрет заключается в том, что постичь классический индийский танец возможно, уловив ритм. Ритм является первоосновой индийской школы танцев. Виртуозно сплетаясь воедино, ритмы образуют настоящее переплетение красочных нитей. Но выведение рисунка такой красоты требует усилий и упорства. Ритм требует не остроты восприятия звуков, а ощущение ритма изнутри: многие танцоры классического индийского танца добились успехов, несмотря на их недуг, связанный с нарушением слуха.

От танцора классической школы индийского танца требуется и особая физическая подготовка. Хотя, с другой стороны, в процессе отработки движений и улавливания ритмов каждая частица тела танцора принимает участие в мастерстве.

Основная нагрузка в изображении танца ложится на ноги – четкие ритмы отбиваются босыми ногами, стопы принимают самые невообразимые положения. Представьте, какой оздоравливающий эффект оказывает на организм танцора обучение индийским танцам, ведь энергетические точки на стопах находятся в постоянной стимуляции. Именно поэтому Бхаратанатьям дали другое название - танцующая йога. Исполняя классические индийские танцы, можно познать не только особенности своего тела, но и открыть тайны души. Именно поэтому он требует большой работы и овладения искусством танца.

Источник: baza3000.ru